第十六届北京国际电影节创投训练营正如火如荼进行中。1月18日，创投训练营迎来由剪辑导师张一博带来的导师课。作为中国影视行业极具影响力的资深剪辑指导，张一博老师凭借对叙事节奏的精准把控与多元风格的驾驭能力，成为《少年的你》《年会不能停！》《捕风追影》等多部爆款影片的幕后核心力量。本次课程中，张一博老师围绕剪辑思维、声音设计等议题，为青年影人奉上了极具实操价值的创作指南。
制造悬念：操控因果，埋设钩子
张一博老师指出，实现“情理之中，意料之外”的高级叙事，在剪辑上有一套经典方法：操控因果，制造悬念。这并非简单地隐藏信息，而是通过对事件发生顺序的精心设计，或提前揭示结果引发追问，或隐藏原因制造谜题，让观众注意力始终被故事牵引。
与此相辅相成的是在叙事中巧妙“铺钩子”。张一博老师形容，“通过一个物件、一句台词先吸引、再引导，最终让观众毫无抵抗地走入情感核心。”这种设计让观众从被动接收变为主动探索。
创作的起点：直觉需要距离来养护
张一博老师特别强调保护剪辑直觉的重要性。“我现在基本不去片场，”张一博老师坦言。剧组充满着情感投射，具有魔力，而剪辑师需要成为冷静的旁观者，以审视而非卷入的眼光看待素材，这是守护直觉的第一道屏障。在学员的实际项目中，剪辑工作常由导演或摄影指导兼任。针对这一现象，张一博老师特别建议：剪辑时应尽可能保持客观抽离的视角，且避免让剪辑思维过早介入项目筹备阶段，以免影响创作初期的直觉与现场判断力。
剪辑的至高境界：让技巧本身“隐身”
关于优秀剪辑的标准，张一博老师认为最好的剪辑是让观众忘记剪辑的存在。当所有关于节奏、转场、悬念的技巧都完美融入故事，当观众完全被人物命运吸引而察觉不到剪辑点时，便是剪辑艺术的最高体现。这要求剪辑师不仅技艺精湛，更需有叙事理解力与服务整体的大局意识。
在学员提问环节，面对现场学员们的创作困惑，张一博老师进行了极具指导性的专业解答。
Q1：在反复剪辑修改中，如何保护剪辑师最初的直觉和情感不被磨损？
张一博：长期从事剪辑工作确实会对直觉形成消耗。如今我更多依靠经验工作，这容易变得模式化：拿到素材就知道如何架构、配什么音乐、每个镜头该有多长时间。这种方式高效、符合工业流程，但局限在于缺乏惊喜。剪辑是特别细微的艺术创作，那些细微的情感就藏在“少五帧多五帧”的区别中，难以被捕捉。我建议剪辑师要有意识地寻求变化，跳出安全区。
Q2：在剪辑电影《捕风追影》时，对于打戏的处理有何技巧？
张一博：我最常用的方法是减少对打斗过程的呈现，注重结果的表达。在选择素材时，我最看重的是动作的真实感，包括手部的反应、下意识的退缩，以及角色在打斗过程中真实的心理状态和思考。这些细节往往比招式本身更重要。例如，若能清晰呈现角色被击中时的真实痛感，便能实现更强的视觉冲击力。
Q3：如何看待当前镜头多、节奏快的剪辑趋势？
张一博：观众对于速度的感知深受媒介影响。如今大多观众已习惯快节奏的叙事，无论短视频还是短剧，都在不断推动观众越看越快。因此，即便个人偏好舒缓风格，也必须承认对多数观众而言，节奏一旦放缓便容易失去耐心。这不是对错问题，而是现实趋势。当前长镜头运用较少，往往正是因为其信息密度不足。若能通过摄影机运动与调度，在单一镜头中持续提供新的、准确的信息，观众便愿意跟随。因此，前期将每个镜头的信息密度最大化，用画面抓住观众，他们自会沉浸于你所讲述的故事。
Q4：在喜剧片剪辑方面有何经验分享？
张一博：我觉得不要刻意制造笑点，喜剧效果往往来自那种略带抽象、意想不到的微妙瞬间。在《年会不能停！》中，剧本有趣，大鹏老师的表演也极为到位，他太懂得这类“小人物”在特定情境下该如何反应，许多表演几乎信手拈来，无需刻意设计。有些喜剧片不好笑，是因为笑点处理得太满，用强烈的音乐、夸张的剪辑或表演去推动观众笑，反而没有留给观众反应时间。这其中主要有两种情况，一种是根本没留笑的空隙；二是虽然留了笑的时间，但是笑点本身缺乏层次。
Q5：剪辑师选用表演素材的标准是什么？如何建立评判标准？
张一博：首先是要持续通过大量阅片，积累对表演的感知力，有意识地观察不同演员的处理方式。其次，不妨多留意拍摄的第一条镜头，说不定会有惊喜。在《坠落的审判》中，女主角她几乎没有表情，却令人感到无比真实。后来我们采访该片剪辑师得知，那些表演大多选用的正是第一条：没有过多华丽的修饰，不曾刻意演满，带着些许生涩、紧张，甚至不确定性的声音，反而最贴近人物。
Q6：在音乐与画面的配合上，您有何心得？
张一博：不少年轻创作者容易陷入一个误区：直接从素材库拖入整段音乐，让画面被动地去凑音乐的起伏，尤其在高潮段落。这往往导致画面被音乐“撑”得过满，失去了自身的呼吸与节奏。我建议可以尝试两种方法：一是认真聆听音乐，将其剪短、重组，做出具有起伏和主动性的节奏结构；二是在放完音乐以后大胆关掉，完全基于画面和表演的逻辑去解决问题。
Q7：从剪辑师的角度，您对短片的拍摄有何建议？
张一博：短片时长短，每个镜头都必须承担明确的叙事功能。因此，拍摄前更需要理清创作意图，多问自己：我为什么拍这个镜头？它究竟要表达什么？思考清楚再拍摄，远比依赖后期补救更重要。例如，拍摄一个人坐在房间里的镜头，使用拉镜头和摇镜头传递的信息和节奏完全不同。很多时候，我们仅因为“画面好看”进行拍摄，但若没想清楚其存在的必要性，在剪辑阶段很可能被剪掉。
剪辑不仅是完成作品的技术环节，更是赋予作品灵魂的最终创作阶段。张一博老师从具体操作到创作理念的系统分享，为学员们提供了一套清晰而务实的剪辑思维框架。在当下快节奏的内容生产环境中，这种对叙事本质的坚守、对观众心理的洞察，正是专业创作者保持定力、实现精准表达的关键。
随着剧作与剪辑课程圆满结束，学员们已进入剧本一对一指导环节。1月19日和20日，剧作导师陈舒围绕剧本结构、叙事节奏、人物创作等核心维度，结合每部入围作品的风格，进行细致剖析与点拨，助力入围导演学员突破创作瓶颈，提交更具完成度的作品。
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